Со сцены Башкирского Академического Театра Драмы прозвучало слово «жопа».
(Записки агро-блогера на полях театральной праграммки).
Как-то, в одном из своих постов Миссис Фикс упомянула, что в Уфе практически не осталось театральных критиков. Это не совсем так. Точнее, это правда отчасти. Если даже десять лет назад критические (в смысле обзорные) статьи о новых постановках публиковались в республиканских газетах и в "Вечерней Уфе", то сегодня тираж этих газет настолько ничтожен, что если там что-то и публикуется, то проходит незамеченным. В то же время есть тенденция, что старое поколение театроведов потихоньку уходит, а новые не очень-то стремятся к критическому обсуждению. Это факт. Хотя и потенциал у них есть и в кулуарах — обсуждения более бурные и откровенные по сравнению с банальными селфи в антракте премьерных постановок.
Но когда-то лед должен тронутся, потому что есть все признаки того, что отсутствие здоровой, дружеской критики оказывает медвежью услугу нашему театру. Под нашим, я подразумеваю, Башкирский Академический Театр Драмы.
Во предыдущем посте я писал уже о немочень удачной маркетинговой политики театра. https://www.facebook.com/permalink.p
В широком смысле, в понятие маркетинга входит и репертуарная политика. В том числе, я выразил свое мнение, что постановка спектакля "Антигона" французского драматурга Жана Ануйя, была неудачной. И постарался обосновать, — почему.
Лучшим возражением моему мнению было бы, если б премьера прошла на "ура", то есть, несмотря на определенные ошибки в выборе пьесы, постановщики смогли бы ее поставить так, что все попадали с кресел от изумления. Но… Такого не произошло. Более того, к минусам в маркетинговой политике, в широком смысле, и репертуарной политике, в узком смысле, добавился еще и минус — частный. Это — сама постановка спектакля "Антигона".
Прошло два премьерных показа и теперь уже с полной очевидностью можно сказать, что это — неудачный спектакль. Если изначально неполный зал можно было объяснить провалами в маркетинговой политике и продвижении спектакля, то уход зрителя со второй части и недоумение оставшихся досмотреть до конца — только недоработкой или какими-то другими промахами режиссера.
Я сам был на спектакле. И не один, а с друзьями. Все, как на подбор, достаточно долгое время проработавшие в сфере культуры, но в то же время, имеющие историческое образование, состоявшиеся люди. То есть, их нельзя заподозрить в том, что это — неподготовленный зритель для этого спектакля. Очень даже подготовленный. Более того, и я , и мои друзья, активно интервьюировали зрителей на предмет того, нравится ли им спектакль и что они поняли. Опросили почти два десятка человек. Никто даже не постеснялся сказать, что спектакль им не понятен и не понравился.
— Зачем я здесь? Что я здесь забыл? — был самый мягкий ответ.
Ради объективности можно добавить, что три женщины пытались уверить, что они все поняли. На вопрос:
— А что именно?
Отвечали:
— Ну как?! Это де Софокл! Античная классика! Правда почему-то вместо греческого стиля, в декорациях архитектуры применен Римский стиль…
И все! Это все, что они поняли. За все время спектакля они даже не догадались, что это не Софокл, а его ремейк и что на сцене не Римская, а Парижская Триумфальная арка.
В массе же своей, зритель не может и не умеет делать анализ произведению. Он просто может высказать свое мнение — понравился спектакль или не понравился. С него это и не требуется. Он идет в театр не для того, чтобы анализировать, а для того, чтобы отдохнуть душой. Поплакать, посмеяться, попереживать за главных положительных героев против отрицательных и в конце получить катарсис — высшее состояние душевного очищения через переживание. Если этого нет — зритель уходит из зала неудовлетворенным.
А большинство зрителей, как те три тётенки, еще и стесняются говорить, что они не поняли. Как же? Вдруг сочтут за некультурных, не продвинутых. Этим и пользуются иногда режиссеры. Если спектакль не удался и зритель неудовлетворен, они это объясняют тем, что зритель просто не понял их задумки. Не дорос.
На самом деле, это, конечно же, не так. Спектакль бывает или хорошим или плохим. Хорош он тогда, когда нравится зрителю. Плох тогда, когда не нравится. Все! Больше критериев нет. А проанализировать, почему спектакль бывает хорошим или плохим — проще простого. Что мы вам сейчас и продемонстрируем.
Для этого разбиваем постановку на составляющие. И оцениваем каждую составляющую по отдельности:
1. Цель.
Что хотел изначально автор или постановщик, ставя на сцену произведение (доказать свою зрелость, заработать на постановке кучу денег, получить Нобелевскую премию, реализовать свои юношеские мечты и т. д.);
2. Идея произведения.
Идея, которую хочет донести до зрителя автор или постановщик (добро побеждает зло, любовь превыше всего, противостояние тирании или несправедливости во что бы то ни стало, даже если под угрозой будет твоя жизнь и т. д.);
3. Сюжет спектакля.
Сюжет — это самое главное в мастерстве постановщика. Зритель может простить отсутствие идеи, блёклые декорации и никакие костюмы, но если ему будет интересно следить за развитием самого сюжета, то он на многое закроет глаза.
4. Игра актеров.
Тоже немаловажный фактор. Часто бывает, что зритель идет не на сам спектакль, а лишний раз полюбоваться на игру актера. Но бывает и так, что великолепный сюжет блекнет из-за плохой игры актера. Но тут необходимо сделать оговорочку, что если актер играет хорошо, то это может быть потому, что он талантлив. Но если он играет плохо, то это — всегда вина режиссера.
5. Костюмы
Оказывается и этот элемент играет немаловажную роль в восприятии зрителем постановки. Я не раз бвл свидетелем, когда зрители (больше зрительницы) восхищались: "Ах, какие были костюмы!" И это неудивительно. Люди идут в театр, чтобы отдохнуть душой от обыденности, окунутся в волшебную атмосферу сказки. И немаловажную роль в этом играют костюмы актеров.
6. Декорация.
Наряду с костюмами, декорации помогают зрителю получить эстетическое наслаждение и приобщиться к прекрасному. Но не только. Они создают у зрителя атмосферу реальности вокруг происходящих на сцене событий, помогают ему сильнее прочувствовать образы, представленные на сцене и приблизиться к той исторической действительности, о которой идет речь.
7. Музыка.
Музыка — мощнейший инструмент для усиления эмоционального воздействия на зрителя. Она может успокоить, возбудить гнев, радость или отчаяние, указать на пафосность момента.
Давайте, теперь рассмотрим эти составляющие более подробно и дадим им оценку.
1. ЦЕЛЬ.
Каков был замысел у тех, кто поставил на сцене Башдрамтеатра этот спектакль? Было ли у них на уме сделать очередной хит и собрать неимоверное количество просмотров, как сказали бы сейчас SEOшники и блогеры, или продав огромное количество билетов, улучшить материальное положение театра? Или может они готовили спектакль специально для какого-нибудь крутого фестиваля? Может быть. Этого мы не знаем. Но из открытых источников известно, что идея о совместной постановке этого спектакля, оказывается, была у руководителя театра Олега Ханова и режиссера Фарита Бикчантаева с молодости.
Значит, это просто осуществление юношеской мечты о том, что кто-то поставит пьесу Жана Ануйя, а кто-то в нем сыграет главную роль? Похоже на правду. Такое бывает в жизни. Только вот жалко, что мы вынуждены смотреть не произведения, которые были бы включены в репертуар, руководствуясь маркетинговой политикой театра и интересами зрителя, а… Осуществление чьих-то юношеских мечт.
2. ИДЕЯ ПРОИЗВЕДЕНИЯ.
Для того, чтобы донести до читателя идею произведения, придется произвести небольшой экскурс в авторскую версию произведения. Кто же автор произведения и что он хотел этим произведением сказать?
На самом деле, повесть об Антигоне — это одна из легенд целого цикла фиванских мифов о царе Эдипе и его детях. Причем, эта легенда не стоит особняком, а является составной частью других мифов. То есть не зная содержания предыдущих мифов, трудно понять смысл и пафос повествования об Антигоне.
В 442-м году до н. э. по мотивам одного из этих мифов был поставлен спектакль "Антигона", автором которого был величайший драматург Древней Греции Софокл. После него это произведение было переписано и перепоставлено очень много раз, как в древности, так и в более позднее время.
Краткий сюжет произведения такой:
Царь Эдип умирает и Фивами начинают править два его сына по очереди. Один из них, когда подходит время, не уступает престол своему брату. Тот призывает на помощь иноземцев и с их помощью пытается вернуть себе трон. Битва происходит под стенами города. Оба брата погибают в схватке, но фивяне побеждают. На трон садится дядя братьев — Креонт. Он поручает одного из братьев похоронить с почестями, а того, который привел чужеземцев — оставить у стен крепости на растерзание диким зверям и стервятникам. Хоронить его не велит под страхом смерти и даже выставляет стражу.
Однако, одна из дочерей Эдипа — Антигона, под покровом ночи производит обряд захоронения над братом. Ее хватают стражники. Креонт готов помиловать Антигону, если она отречется от своего желания, но она не делает этого. И её живую замуровывают в пещеру. Не выдержав разлуки, кончает самоубийством ее жених — сын Креонта. Узнав, что ёе сын погиб, умирает и жена Креонта. Ну и Боги потом насылают на Фивы разные несчастья. Вот такой вот индийский фильм в античном исполнении.
В связи с этим, главная идея пьесы: для человека законы, установленные Богом и традиции предков — важнее, нежели законы, придуманные людьми. И их несоблюдение ведет к всеобщему бедствию. И еще один тезис — воспевание храбрости и самопожертвования ради идеи. Вот этот последний тезис Жан Ануй и взял, как идею для постановки своей версии спектакля в оккупированном немцами Париже.
Кстати, пользуясь случаем, хотелось бы вкратце рассказать об авторе пьесы — Жане Ануйе и его творчестве.
ЖАН АНУЙ И ЕГО ПРОИЗВЕДЕНИЕ.
Жан Ануй французский писатель и драматург баскского происхождения. Родился в 1910-м году. Пьеса "Антигона" по мотивам произведения древнегреческого драматурга Софокла, но в переложении на французскую действительность того времени, была поставлена в оккупированном немцами Париже в 1943-м году. Основная идея постановки — прославление храбрости, ради вечных ценностей и борьба против тирании. В условиях оккупации само написание пьесы и ее постановка — были героизмом. Как тут, пусть даже не в тему, не вспомнить неуемные R1b-ные баскские гены автора?))
В условиях, когда нельзя было в открытую призывать к неповиновению немцам, драматург мастерски сделал это через образ храброй софокловской Антигоны, восстающей против тирании Креонта (у Ануя — Креона).
В 1943-м году автору было всего 33 года! Для драматурга — это очень молодой возраст. Это гениальные стихи можно написать в восемнадцать, а для того чтобы стать зрелым драматургом, нужен жизненный опыт, знание характеров.
Неудивительно, что пьеса грешит недоработками с точки зрения современного драматургического искусства: длинные монологи, мало действий, характеры и мотивация поступков главных героев раскрыты недостаточно, нет четко выраженных трехактных действий в каждой отдельной сценке. Вообще, много чего нет. Например, современный драматург заставил бы всех своих персонажей войти в конфликт с каждым другим персонажем, а потом поменять свое первоначальное отношение. Это непростой труд. Опытные драматурги составляют целые таблицы, чтобы соблюсти этот порядок. Актерам легче играть свои роли, когда у них есть характер. Но характер раскрывается не в особенностях разговорной речи и мимике, как это пытаются изобразить некоторые режиссеры, а в выборе пути достижения своей цели и через решение конфликтов. Ничего этого у Жана Ануйя нет. А если и есть, как, например, это передано через развитие отношений Антигоны и Исмены, то даны очень слабо.
Да и не нужно забывать, что это был все лишь ремейк античного произведения. А ремейки редко бывают лучше оригинала.
И конечно же, в условиях оккупации и всеобщего террора со стороны Гестапо, даже такое проявление сопротивления и неподчинения,,как постановка спектакля с идеей храбрости и самопожертвования, получает популярность среди жителей столицы Франции.
А какая идея лежит в основе постановки Фарита Бикчантаева? Очевидно, та же самая. Но!.. Выражена она крайне не убедительно. Идея есть, но инструменты ее воплощения оказались слабыми. Ну не хочется после просмотра спектакля сжать кулаки и идти куда-нибудь жертвовать собой. Вообще ничего не хочется. Вот это, как зритель, и как критик, я считаю слабостью спектакля.
Через образы, через игру актеров, от саспенса к саспенсу и далее через катарсис режиссер должен был подвести меня к этой идее. Убедить в ней. Но не получилось.
3. СЮЖЕТ СПЕКТАКЛЯ.
В принципе, сюжет Софокловской "Антигоны" я уже описал. "Антигона" Жана Ануйя отличается тем, что он ввел некоторые, современные для его времени, атрибуты в одежде и декорациях. Сделал более выпуклыми образы стражников, которым нет дела до геройства и переживаний главной героини. Они живут в параллельном мире. Их не интересуют такие понятия, как справедливость, сочувствие, любовь к ближнему. Все их разговоры крутятся вокруг получки и премии. Вполне очевидно, кого хотел высмеять Жан Ануй. Ну и так далее.
Вообще, несмотря на парадоксальность, мне кажется, что с построением сюжета Ануйу и его постановщику, в 1943-м году, было неизмеримо проще, чем Бикчантаеву сегодня. Он не заморачивался сюжетом, просто сделал переложение Софокла на современный для него лад и все. Для него главное было — идея! Идея побеждала все и прощала ему все недоработки: "Кто любит Францию и меня, за мной!" И не дай Бог, кто-то посмел бы сказать, что спектакль плохой.
Бикчантаеву было труднее. Перед ним не просто античный текст, но еще и в переложении на французскую действительность 40-х годов прошлого века: много длинных монологов, мало действий, поступательное развитие сюжета вдоль сквозной линии соблюдается не четко, приходится натягивать, характеры персонажей вообще даны слабо. Но!.. Если ты режиссер, и ты взялся показать нам именно эту сложную пьесу, то сделай это!
А так, практически все недостатки в выстраивании сюжета, которые можно было соблюсти, были соблюдены. Печально, но это факт.
1. Предыстория.
Я выше писал, что "Антигона" — не самостоятельная история, а часть цикла фиванских мифов. Развитие сюжета в "Антигоне" — это продолжение предыдущей истории. И если зритель ее не знает, то "Антигону" ему не понять. Для решения этой проблемы Софокл использовал хор. Вообще, хор — блистательная находка Софокла для придания и музыкальности произведению, и создания настроения, и для использования в качестве ремарки.
У Бикчантаева роль хора исполняет… Радиоведущий. О том, что Алмас Амиров играл роль радиоведущего, я лично понял только после спектакля прочитал анонсы о постановке на страницах "Башинформа" и БСТ. Мои товарищи, которые ходили со мной на спектакль, до сих пор не знают. Пользуясь случаем, пишу).
О чем это говорит? О том, что как этот радиоведущий (и почему именно радиоведущий?) может объяснить зрителю предысторию, если зрителю не понятно, кто он сам такой?
Далее идет длинный-длинный-длинный монолог Алмаса Амироаа с упоминанием имен отца и братьев Антигоны, других их античных родственников (очень сложных для восприятия на слух) их взаимоотношениях, а также — неожиданно — о самом театре имени Мажита Гафури… Зритель не любит длинные монологи, особенно когда не понимает о чем речь, когда употребляется много непонятных терминов. Он начинает отвлекаться и скучать. Все! Задача доведения предыстории до зрителя — сорвана. Разве нельзя было сделать это в игровой форме? Используя любой режиссерский прием: песню (хор), игру теней и т. д. ?
2. Завязка.
В театре задачей завязки является:
— расставить фигуры на сцене, чтобы зрителю с самого начала было понятно, кто есть кто;
— завязать интригу (конфликт) вокруг которого будет происходить развитие сюжета;
— обозначить отношение каждого (!) из персонажей к данному конфликту.
— поставить персонажей в такие условия, чтобы он не мог не начать решать проблему в свою пользу (альтернативный фактор).
— и перед героем, и перед антигероем, а также перед каждым из персонажей ставится невыполнимая задача, которую нужно решить для достижения цели.
Что-то из перечисленного, будем объективны, в завязке было. Например, Антигона и Исмена (ее родная сестра) сразу обозначили свое отношение к возможному нарушению закона, установленного правителем Креоном. Очень блекло продемонстрировали свое отношение к этому сам правитель и супруга Креона. Ну и все…
В напрасном ожидании мнимой настоящей завязки наступил антракт. Я и мои друзья кинулись спрашивать у зрителей, что они поняли из увиденного? В чем завязка? Вокруг чего будет происходить дальнейшие события? Благо, в зале было много знакомых (Уфа — деревня). Но мы спрашивали и не знакомых. Никто (НИКТО!!!) не смог ответить! И лишь одна дама сказала:
— Ну подождите, это же еще не финал!
Я вас умоляю! Зритель заплатил 450 рублей и пришел на спектакль, чтобы получить удовольствие от просмотра спектакля только в финале? А остальное время он должен пребывать в неведении? Не в лихорадочном неведении — что же будет? Что де будет? Победит ли главный герой злодея, встретятся ли герой и героиня, наконец и отдастся ли она ему под гром аплодисментов зрителей, кончающих в экстазе катарсиса, а… А просто в неведении,- что вообще происходит?
3. Развитие сюжета.
А вот таким же и было развитие сюжета, в которое плавно перешла завязка. Зритель чуть-чуть начал понимать что-то, когда стражники поймали Антигону, совершившую обряд погребения своего погибшего брата. Стало ясно, что теперь весь спектакль будет строится на внешних и внутренних конфликтах Креона и Антигоны вокруг вопроса — казнит он ее или не казнит. И вот тут на первый план выходит новая проблема. Зрителю не жалко Антигону. Вот не жалко и все. Не сопереживает он ей. Неискушенный зритель готов обрушить всю лаву критики на исполнительницу главной роли: Ага! Плохо играла!? Отнюдь. Старалась.
Так в чем же дело? В драматургии есть несколько приемов, используя которые, можно заставить зрителя сопереживать за героя (героиню) спектакля. Или фильма. Режиссеры голливудских фильмов так и делают. Или вы до сих пор наивно думаете, что сами такие умные, что безошибочно выбираете за кого болеть в фильме и плакать, а кого ненавидеть? Как бы не так. Это режиссер такой умелый. И чем больше сопереживает зритель за героя и больше ненавидит главного отрицательного персонажа, тем искуснее режиссер. Точнее, тем умелее он использует эти приемы. Я их здесь расписывать не буду, хотя и знаю. Но скажу одно — режиссер не сумел использовать эти приемы в спектакле. И именно поэтому зритель не полюбил Антигону! И ее игра здесь не причем. Например, в тех же "Черноликих", актриса игравшая здесь Антигону (Лилия Галина) раскрылась на 100 процентов! Чья заслуга? Её?.. Да… Немного… Но в большей части — режиссера Абушахманова. Сумел раскрыть и сумел мастерски воспользоваться теми приемами в построении сюжета, сцен и мизансцен, про которые я говорил.
4. Финал.
Ну финал никак не может быть интересным, если все предыдущие действия персонажей не подводят зрителя к этому: нет разрешения конфликтов (помните — всех персонажей между собой, а не только главных героев), нет кульминации (или она размазана), нет финальной схватки (в данном случае должно было бы быть так, что главная героиня погибает, но ее идеи торжествуют!)и из-за этого всего — нет катарсиса. Зрителю просто не дали кончить в конце спектакля. Мало того, что он даже и не возбуждаться по ходу постановки. Так и не было понятно — а в каком месте кончать-то? (Здесь я , конечно, образно выражаюсь). Все это заменил непонятный, невнятный офисный стол, вокруг которого застыли все участвующие в спектакли актеры, только уже в современных костюмах.
Когда зрители поняли, что спектакль закончился, они похлопали актерам из вежливости. Даже встали. Все-таки, очень вежливый и воспитанный у нас зритель.
4. КОСТЮМЫ.
Ради объективности можно признать, что в спектакле был один костюм, который всем запомнился. Можно даже сказать, что он был хорош. Это костюм Исмены (сестры Антигоны). На фото он есть. Неоднозначен, конечно, своим откровением, но… Давайте, хотя бы здесь поставим плюс. Обе актрисы, игравшие Исмену — были великолепны в этом костюме. Это Гульмира Исмагилова и Гульназ Хайсарова.
Остальные костюмы были — полнейшей эклектикой и безвкусицей. Эклектикой, как композиционно друг к другу, так и внутри одного костюма — одежды и обуви, например. Нет, я понимаю, мне сейчас могут начать возражать, что постановщик хотел показать, что персонажи на сцене представлены вне времени и поэтому у них такая разная одежда, не привязанная ни к какой эпохе. Я не об этом, хотя сама задумка тоже очень спорная — как зритель из сюжета спектакля должен догадываться, что герои живут вне времени? Ну я и не об этом. Просто костюмы — полнейшая эклектика и безвкусица.
5. ДЕКОРАЦИИ.
С декорациями еще хуже, чем с костюмами. Представьте себе железные монтажные леса по всей сцене и вклеенный там и сям стеклопластик, заляпанный пылью и разводами от рук. Не специально. А просто — не почистили перед спектаклем. Мотки полиэтилена , привязанные к лесам и завернутые в них камни из папье-маше. В углу несколько разнокалиберных и разноцветных диванов, тоже накрытых полиэтиленом. Для чего стояли там эти диваны, я так и не понял до конца спектакля. Было такое ощущение, что по всей сцене что-то красили или делали ремонт и к началу спектакля не успели убрать.
В комментариях к предыдущему посту про этот спектакль, один режиссер, защищая коллегу выразил предположение, что, декорации, видимо, символизируют разруху после войны.
Какой войны? Третьей фиванской?)) Вторую мировую? Париж в 1943-м не был разрушен.
6. МУЗЫКА.
Музыка призвана усиливать эмоциональный эффект на зрителя. Например, с помощью акустики, создавая чувства тревоги, радости, печали, торжества и т. д. Это — очень мощный инструмент. Но… В спектакле не было авторской музыки. Было, так называемое, музыкальное оформление. Крайне низкого качества, как по решению поставленных задач, так и эстетически, и даже банально по качеству акустики.
Я уже молчу о том, что не использование авторской музыки, а музыкального оформления, является дурным тоном и неуважением к зрителю. Типа, для этих зрителей и так сойдет. Спасибо.
7. ИГРА АКТЕРОВ.
А вот наши актеры — молодцы! Не все. Потому что качество игры актеров во многом зависит от поставленной задачи и, главное, насколько хорошо представлен характер героя со всеми его конфликтами, переживаниями, целями. Всеми этими качествами его наделяет драматург. Но мы уже писали о том, как к этому отнесся, тогда еще молодой и неопытный, Жан Ануй. Но если современный режиссер взялся за спектакль, поставь актерам задачу — ты! И они раскроются. Самый бездарный актер будет блистать, если перед ним правильно поставить задачу. Я много раз наблюдал, как это делается. Если актер талантлив и опытен, то ему дается возможность проэкспериментировать, потом режиссером выбирается и утверждается удачный образ. Из менее опытных актеров выбивается то, что требуется режиссеру.
Когда на сцену выходил Азамат Гафаров, зрительный зал оживлялся. Все-таки, любят зрители его. И он всегда держит планку. Даже маленькую роль стражника он играет хорошо войдя в образ.
Как всегда, бесподобен — Алмас Амиров. Я думаю, что, если бы его даже одного выпустили на сцену и даже режиссер не дал бы ему вообще никакого задания, он смог бы держать в напряжении зал в течении всего спектакля. Один. Что-нибудь придумал бы по ходу. Очень велик и талант, и опыт.
Что еще бросилось в глаза? Некоторые актеры грешили тем, что увлекаясь диалогами поворачивались спиной к зрителям. Не по замыслу режиссера. А просто, забывшись. Недопустимый косяк. Это идет от небрежного отношения к репетициям режиссера. Не хочется думать, но приходит на ум, что репетиции проводились наездами в свободное от какой-то другой, основной, работы время.
Вот в принципе и весь анализ спектакля. Кто хочет, может в следующий раз попробовать сделать его и сам.
Есть еще два момента, которые, может и не говорят об уровне спектакля, но тем не менее:
1. В спектакле несколько раз прозвучало слово "жопа". Не попа и не задница, а именно вот это слово. На мой взгляд, это не то слово, которое должно звучать со сцены нашего театра. Особенно, когда на повестку дня выносится тезис о том, чтоб, якобы, нужно подтягивать башкирского зрителя до уровня мировой культуры.
У меня родители при детях никогда не употребляли это слово. Тем более выкрикивание его со сцены Башдрама не никак не может сделать мой народ культурнее.
2. Почему-то на этом спектакле вместо башкирского литературного слова "олэсэй" — бабушка, употреблялось "нэнэй. Вместо башкирского "кустым" — эне (младший брат, братишка) и вместо башкирского "кайны" — бабай. Почему постановщики спектакля решили сделать так? Неужели не подумали, что башкирский зритель может высказать свое публичное возмущение? Все же, на мой взгляд, Башкирский Академический Театр Драмы должен оставаться территорией чистого литературного башкирского языка.
Кто-то может спросить:
— Ну а как так могло произойти? Ведь — Фарит Бикчантаев — талантливейший режиссер, лауреат Государственной Премии им. Г. Тукая, заслуженный работник культуры России и Республики Татарстан!
Ответ:
— Скорее всего, увлекшись реализацией юношеской мечты, два мэтра (оба — очень уважаемые мною) — Олег Закирович Ханов и Фарит Бикчантаев, несколько потеряли чувство зрителя. Я об этом уже писал в первом посте про эту постановку. Они на каком-то этапе упустили из виду, что современному зрителю, довольно искушенному и требовательному, может быть неинтересно смотреть продукт, являющийся реализацией фантазий времен из юношества.
Это наложилось на проблемы маркетинговой работы театра в целом. В широком смысле, вбирающей в себя не только работу с зрителем на текущие постановки, но и выбор и утверждение репертуара.
Вот как-то так. Если кого ненароком обидел в своей статье, простите.
Предвижу следующее возражение к моему посту:
— Руководство театра должно не только идти на поводу у потребностей зрителя, но и воспитывать его, знакомить с лучшими произведениями мировой драматургии, в том числе античной классикой.
Отвечаю:
— А с чем здесь именно было знакомство? С фиванскими преданиями? С произведением Софокла? С произведением Софокла в переложении молодого, еще несостоявшегося драматурга Жана Ануя, написанного для конкретного Французского зрителя, времен оккупации страны немцами? С произведением Софокла в переложении молодого, несостоявшегося Жана Ануя, которое еще раз переложил состоявшийся драматург Фарит Бикчантаев, используя некоторые (не совсем удачные, на мой взгляд) МХАТовские приемчики и вплетая татарские мотивы (в костюме Хора, например).
А нужно ли башкирскому зрителю такое знакомство с ремиксом ремикса древнегреческой драматургической классики?
Еще может быть и такое возражение:
— Ну не ставить же все время на сцене театра деревенские комедии.
Отвечаю:
— Не вопрос! Поставьте городскую драму! Поставьте, в конце концов Софокла в оригинале! Это было бы лучшим решением вопроса! По настоящему пронзительная драматургия Софокла в оригинале, поставленная на подмостках Башдрамтеатра, произвела бы фурор в театральной жизни республики еще больший, чем "Юсуф и Зулейха", поставленный год назад. Потому что, Софокл — был драматургом, а Марджани, при всём его величии, — нет. И пьесы Софокла отвечают всем требованиям современной драматургии. Их легко ставить, легко играть и было бы приятно смотреть.
На фото:
1. В Башдраме. Делаю заметки на полях театральной программки )).
2. на сцене — самый красивый костюм был у Исмены.
Здесь статья "Башдрамтеатр забыл, что спектакль — это продукт, а клиент — зритель ":
https://www.facebook.com/permalink.p
10 октября 2016 idelbaev-artur Культура Общество
Источник: http://idelbaev-artur.livejournal.com/1324.html
